如果说要选出我生命中最重要的 10 样东西，那么音乐一定会是其中之一。还在上幼儿园时，我就开始练习小提琴，这就是我最早的音乐启蒙。说来惭愧，这项技能已经荒废多年，但是小提琴把音乐带到了我身边，并且一直陪伴了我 30 多年。工作以后接触到了 HIFI，除了购买和把玩各种听音器材以外，就是乐此不疲的逛各类发烧论坛、烧友博客。不过如今已经算是半退烧状态了，因为逐渐感觉到 HIFI 还是应该回归到它的本真 —— 音乐。
喜欢音乐或者刚刚入门 HIFI 的朋友也许听到过这些词：解析度、动态、瞬态、透明度、空气感……说实话，刚开始接触 HIFI 时，我听到这些 “HIFI 术语”也是一头雾水，感觉玄而又玄。我今天就来介绍一张专辑给大家，相信听过以后一定会对 HIFI 有更清晰的理解，这张专辑就是《Ultimate Demonstration Disc: Chesky Records' Guide to Critical Listening》。
这张专辑是美国的 Chesky 唱片公司推出的，目标是创造出完全自然的、真实的音乐。可以帮助你提高听音技能，在理解这些不同之后，不仅在家里能够更享受音乐，当你参加现场音乐会时，也会对音乐有更深层次的欣赏体验。这张专辑的每一首音乐都是经过精挑细选，每首音乐用来诠释一个术语，并且配有一段音频说明，使你可以有针对性的欣赏和鉴别，并从中体会到这些术语表达的含义。下面我试着理解并且转述这些术语的说明，希望对大家有帮助。水平所限难免有不到位或者不准确的地方，也希望大家能够不吝赐教。
01. 高解析（High Resolution）
专辑第一首音乐是 Rebecca Pidgeon 的 《Spanish Harlem》，这真的是一个非常特殊的录音，它具备一个经典的音频文件的所有元素。首先，Rebecca 的呼吸声就像在你面前，前后及两侧都有很好的空间感。在一个高解析力的系统下，她听起来非常真实。虽然低频坚实而且深沉，但细节仍相当丰富。请密切注意沙锤，它应该在声场的后面，每次摇动的声音应该略有不同。如果听起来每次摇动的声音都太相似，那么你的播放系统就没有很好的体现这个细节。甜美的弦乐应该和乐队其他乐器融为一体。这首《Spanish Harlem》听的次数越多，你就越了解什么是高解析技术。
02. 深度（Depth）
第二首是 Sara K. 演唱的 《If I Could Sing Your Blues》。“深度”这个词在发烧圈子里经常被提及，它的确切定义可能相当含糊不清，而这次不是。开始时的小号距离麦克风有 10 英尺，为我们提供了真实的深度再现。Sara 应该是比较靠近麦克风的，她的声音混响充满了整个录音室，吉他的声音听上去是一种亲密的、温暖的音色。请记住，大多数现代录音都是人工制造的深度，因此它们不能可靠地重现“深度”这一重要方面。
03. 空气感（Atmosphere）
第三首是 Leny Andrade 演唱的 《Maiden Voyage》。这段录音里有一个非常吸引人的温馨的声场，非常宽阔。然而当他的声音非常快速直接，且动态范围很广时，低频也是饱满和温暖的，鼓和钹发出的声音也是空灵的。这是一段丰富多彩的录音，你会觉得非常放松。
04. 中频纯净度（Midrange Purity）
第四首是 Livingston Taylor 演唱的 《Grandma's Hands》。Livingston Taylor 身后有三位深情的和声歌手，这是一个优秀的体现中频纯净度的例子。首先，让我们做一个实验，你在听这首歌的同时自己打响指，然后仔细聆听回放中的那些响指，应该像你的响指一样真实。Livingston Taylor 的声音应该是由胸腔发出，而太多的其他录音中，这些声音是和身体分离的。除非人类的声音听上去不那么自然，否则不会有这样的问题。
05. 自然度（Naturalness）
Ana Caram 的《Correnteza》，教堂的自然声学环境为这首优美的音乐提供了一个完美的录制空间。Correnteza 以精妙的打击乐和鸟鸣声开场，接下去就是热带雨林的表演，大提琴的共鸣声充满整个空间。Ana Caram 的嗓音是如此触手可及，你几乎可以感觉到她的呼吸。这里不应该有任何电子的眩光的感觉，只有一种丰满的、深沉的声音，带你进入这大自然中。
06. 透明度（Transparency）
Fred Hersch Trio 的 《Played Twice》，这是一个透明度很好的录音，包含钢琴、贝司和鼓。钢琴声虽然略显温暖，但有很好的瞬态响应。请记住钢琴是一种打击乐器，琴槌敲击琴弦听起来应该是很明显的。贝斯的声音温暖饱满，但是每一个音符都鲜明而不发闷，而且弹拨的声音清晰可辨。鼓被放在钢琴和贝斯的后面，这体现出了录音室的音响特点，听起来位置感很明显而且很精致。透明度就像在听众和音乐中间打开了一扇窗，之间没有任何东西，所有的硬件都消失了，留下的只有音乐。
07. 现场感（Presence）
McCoy Tyner 和 Joe Henderson 的 《Ask Me Now》。尽管这是一个 McCoy 和 Joe 的二重奏，不过我们将注意力集中在 Joe 的令人赞叹的萨克斯演奏上。Joe 站在一个大型录音棚的舞台上，离舞台的后壁 15 英尺远，离麦克风 3 英尺，乔和他的萨克斯出现在两个扬声器的中间靠右的位置，所有的一切都在那里，他的呼吸，按键的机械声音，最重要的是温暖的音调。另一个重要的声波特征是后壁对声音的反射，反射的声音越离散，被测试声音的解析度就越高，我们应该听到一个虚拟的萨克斯管。这条录音的简单性非常适合于这项测试。
08. 内心冲击（Visceral Impact）
Monty Alexander 表演的 《Sweet Georgia Brown》。这是一个充满活力和激情的录音，使用了两只鼓，两个贝斯，Monty 的钢琴非常有活力。在解析力高的系统中，每个鼓的不同声学设置应该是显而易见的，录音具有一些惊人的动态特征。所以开大音量播放这首歌，你应该感受一下。
09. 节奏和速度（Rhythm & Pace）
Johnny Frigo 表演的《I Love Paris》。77岁的 Johnny Frigo 有着令人难以置信的活力，在他的演奏中有着真正的乐趣。事实上，乐队有过辉煌的时代。节奏和速度在 HIFI 术语中指的是音乐在一个系统中传递能量的能力，这意味着音乐可以让你轻点脚尖，摆动头部，甚至站起来跳舞。换句话说，我们希望你对音乐传递的能量做出身体上的反应。在比较播放器材，尤其是扬声器时，要注意你对这种高能量音乐的反应，如果你没有反应，那就换一对音箱试试，这是经常被忽视但必不可少的方面。
10. 聚焦（Focus）
Connecticut Early Music Festival Ensemble 演奏的《Flute Concerto in D》。聚焦，是指在录音中乐器声场的轮廓或边界。这幅光彩照人的作品具有非凡的焦点感。John 演奏的每一个音符都应该是清晰的，而不是模糊不清的。事实上，所有合奏的乐器都具有这种清晰度，聚焦这个术语的视觉类比效果非常好，图像中每个乐器的边缘越清晰，聚焦效果越好。
11. 全息成像（Holographic Imaging）
Westminster Choir 表演的 《Festival Te Deum》，这是 Westminster Choir 在圣玛丽教堂的录音，这个教堂被赋予了水晶般的品质，即便是用传统的双扬声器立体声播放，这种录音听上去也是三维的，就好像你被送到现场。唯一的麦克风使用吊杆放置，约35英尺高，唱诗班设在一个高阁楼上。根据我们的经验，麦克风被放置在附近没有反射面的开阔空间中，你闭上眼睛仿佛能够看到合唱团在你面前，而你置身于一个 60 英尺宽，225 英尺长，90 英尺高的大教堂中。有些系统甚至会反映出这个录音中的高度感，管风琴的声音也充满了整个教堂。顺便说一句，“丝丝”的声音是管风琴喷出的空气声，而不是录音的噪音。虽然这段录音的水平不高，但有一些强大的峰值可以干掉许多系统。
12. 瞬态（Transients）
《The Royal March》。瞬态，是音量的快速动态变化，对扬声器和放大器发出了相当大的挑战。这段惊心动魄的皇家进行曲节选提供了一些令人难以置信的强大的瞬态变化，扬声器振膜的启动和停止必须非常精确。瞬态也是对放大器的测试，它们的控制力和速度是保持波形完整性的重要因素。鼓声紧凑结实，这是扬声器和放大器控制力的最佳指标之一。号声也提供了很好瞬态测试，它的声音应该非常清晰，具有很好的“咬合感”。
13. 低音共振（Bass Resonance）
来自于《Best of Chesky Jazz and More Audiophile Tests, Vol. 2》的低音共振测试。在一个大录音室室的中央进行独奏，乐器离麦克风只有三英尺。你应该可以听到一个强有力的拨弦弹奏，然后伴随着琴身的共鸣，这是一个低音扬声器准确度的测试。一些低音扬声器在达到极限时会产生非音乐性的声音。这个音乐独奏可以揭示出扬声器设计的弱点。
14. 动态测试（Dynamic Test）
来自于《Best of Chesky Jazz and More Audiophile Tests, Vol. 2》的动态测试，一些听众强烈要求极端硬核的打击乐动态测试。所以我们来做一个击鼓独奏的测试。试着用真实程度的音量来播放，但是请小心，尽管它开始的时候很安静，但是会慢慢地变得越来越大声。这是对扬声器和扩音器的残暴的考验。
以上就是对这张专辑所有乐曲的说明，这张专辑也不难找，Apple Music、网易云音乐、QQ 音乐等都有。相信参考我上面的说明认真听过后，您一定会对这些晦涩难懂的 HIFI 术语有更清晰的认识。
